En Yegua, la directora tucumana Virginia Scaro construye una experiencia cinematográfica que se mueve entre la crudeza de una escena de violencia y una deriva poética donde el paisaje, el sonido y los cuerpos dicen más que las palabras. Ganadora en el BAFICI 2026, la obra propone una mirada sensorial sobre las masculinidades, el territorio y aquello que irrumpe para quebrar un orden dado. En esta entrevista con La Nota Tucumán, Scaro repasa el proceso de creación de la película, sus búsquedas formales y los temas que atraviesan su cine.

¿Cuándo comenzaste a trabajar con Yegua? ¿Cómo fue ese proceso? 

Desde la escritura hasta el rodaje pasaron tres años en los que, en cada regreso a Tucumán, fui haciendo pruebas de locaciones y casting, grabe audio de conversaciones entre borrachos en esquinas, en bares, que luego desgrababa y me servían para realizar los diálogos.

Quería mezclar trabajar con un actor y con un no-actor. Me parecía que, cierta rudeza y tipo de corporeidad, me lo podía dar un no-actor. Después de varias pruebas, decidí trabajar con Rodolfo Moreno y Augusto Dioli, de Amaicha del Valle, a quienes agradezco especialmente por su entrega y confianza.

A lo largo del proceso conté con “consultas creativas” de colegas que fueron claves para afinar el relato hacia donde yo quería, algo que considero fundamental en cualquier desarrollo. Actualmente co-fundé la residencia de guion Cina Cina, cuya primera edición fue en 2025; un proyecto que nació con la intención de acompañar la búsqueda de un relato propio y que, en un contexto donde hacer cine es cada vez más difícil, estos espacios son un refugio. A futuro, me gustaría poder realizarla en Tucumán.

La película parte de una escena de violencia muy concreta pero rápidamente se desplaza hacia algo más simbólico. ¿Cómo fue ese proceso de correrse hacia una dimensión más sensorial o poética? 

Partí de una sensación bastante oscura pero no quería quedarme con eso, solo presentarla sin hacer juicio. Un día se me presentó un caballo en la ruta, y eso me vino a completar el relato, derivando en algo más onírico. El caballo le devolvía al hombre, la nobleza que, en el ruido había perdido. La relación entre el hombre y el caballo es de antaño, confié mucho en lo simbólico de ese vínculo, donde conviven la necesidad, el compañerismo y el dominio.

¿Cómo fue trabajar con una yegua como protagonista? ¿En dónde filmaron? 

Grabamos en diferentes partes de Amaicha del Valle, sobre todo en Los Zazos y el Infiernillo. Nos ayudó gente de la zona, con quienes estoy muy agradecida. El equipo, en general fueron tres personas, eso nos dió mucha flexibilidad.

Busqué caballos morita por las distintas zonas que quería grabar. Hice pruebas con todas para entender qué podía pedirle a cada una; con qué sonidos respondían, qué las hacía mirar para un lado u otro…. los dueños de los caballos me ayudaron.

Hay algo de lo onírico también en los paisajes del alba, la niebla. ¿Qué referencias o búsquedas formales te guiaron?

Siempre quise grabar en el infiernillo, me parece un lugar fuera del tiempo. La neblina da ese carácter a las cosas de no tan visible, no tan directo, si te quedas las imágenes se vuelven como manchas muy contemplativas. A veces siento las cosas así. 

Un día vi en el cine El Caballo de Turín. Traté de verla después en casa y debo confesar que la segunda vez me dormí. Estuve un año durmiendo con esa película, como si fuera un ritual, avanzaba noche tras noche y quedaba fascinada en cómo me trasladaba a través de la pantalla a otro lugar.

Recientemente, a raíz de la película Nuestra Tierra de Lucrecia Martel, en CABA se dió un debate sobre el lenguaje, el habla y a quienes hace falta subtitular. ¿Leiste algo, qué opinas?

Para mi si está hablado en español y la película se proyecta en un lugar hispanohablante no hace falta subtitular. Por más que la tonada sea difícil de entender. Cuando el idioma cambia, entonces creo que es necesario subtitular. Hay algo de entrar en la sonoridad de cada lengua que creo es fundamental, y de salir del estándar o el neutro al que estamos tendiendo. También comprendo que es pedir una situación activa al espectador y que, a veces, puede ser incómodo, o hasta haciendo esfuerzos, éste puede perderse cosas importantes. Creo que es un balance entre no dejarlo afuera y permitirle entrar en algo más instintivo como la fonética. Yo soy de Tucumán y siempre me pasó que no me entendían bien al hablar y eso formó parte de cómo miro y escucho. Suspirar las “s”, arrastrar las “r”, o el uso del pretérito compuesto (que con esfuerzo tuve que tratar de controlarlo) esos detalles son gestos que forman mi identidad, te diría.

Venís del diseño de sonido. ¿Cómo trabajaste el sonido en Yegua para construir esa atmósfera más sensorial?

Quería un ambiente denso y pesado al principio, algo del mareo, borrachera que luego derivaría en una sensación“levitativa”, liviana. Para eso trabajé con graves y un sonido realista al comienzo, que se van diluyendo a medida que el caballo asciende, dando paso a sonidos más oscilantes, agudos y detallados. Trabaje junto a una gran colega Mercedes Tennina. Ya me ha pasado en otros cortos míos, que como sonidista, tiendo a recargar y luego el director me baja, y en este caso necesitaba tomar distancia para decidir como directora.

¿En qué proyectos estás trabajando? ¿Qué otros proyectos tenes en mente?

Estoy trabajando en un largo  “El Dorado”, una película sobre adolescentes, sobre la fragilidad de un primer amor y el dolor de crecer ante el abandono. He empezado a investigar y grabar con jóvenes del taller de teatro de Lilian Mirkin y me he encontrado con rostros, sensibilidades y grandes talentos. Quisiera poder filmarlo pronto y sumar apoyos que ayuden a hacerlo posible.